5.- DIBUJO

Dibujo inspirado en una de mis películas favoritas: REQUIEM FOR A DREAM (2001) del director Darren Aronosfsky.

4.- FORMULARIO DE GOOGLE

Para regresar un poco a la esencia del blog, les presento un formulario sobre cine. Sientánse libre de contestarlo :).

3.- PRESENTACIÓN DE GOOGLE

Diapositivas sobre Drive:)

2.- Hoja de cálculo Google

2.- PRESUPUESTO FAMILIAR QUINCENAL ELABORADO EN UNA HOJA DE CALCULO DE GOOGLE SHEETS

1.- DOCS GOOGLE

El contenido de este blog dedicado al cine, va a cambiar un poco, les presentaré 10 archivos guardados desde google drive...

1.- Documento de google: Oficio con encabezado,pie de página,redacción,destinatario,remitente y firma.

El cine de Gaspar Noé: SANGRE, ESPERMA Y LÁGRIMAS

“Quiero hacer películas sobre sangre, esperma y lágrimas… Esa es la esencia de la vida”.

-Murphy (Love,2015)

A lo largo del tiempo, millones de directores y guionistas han plagado el cine con sus pensamientos y sentimientos más profundos, lamentablemente pocos de ellos logran que su trabajo sea mundialmente reconocido.

En el caso del director y guionista de la entrada de hoy, Gaspar Noé ha revolucionado el cine contemporáneo con sus luces de neón y sus historias de pesadilla las cuales tienen como tema principal la podredumbre humana.

Dentro del cine de culto, Gaspar Noé es de sus representantes más actuales con sus piezas polémicas e irreverentes, por lo que el día de hoy revisionaremos toda su filmografía con el fin de entender más a profundidad el trabajo de esta mente maestra del séptimo arte.

“Nacer es una oportunidad única”

Gaspar Noé es un director y guionista argentino radicado actualmente en Francia, lugar en donde estudió cine y ha realizado la mayoría de sus largometrajes. Dentro de la industria cinematográfica ha realizado diversos trabajos, entre ellos de camarógrafo, montador y productor.

Cuando tenia 7 años ve por primera vez 2001: A spacey Odyssey del veterano cineasta Stanley Kubrick, esa experiencia cambia completamente su vida ya que sin ella nunca se habría convertido en director.

"Caí en cuenta de lo que podría ser un viaje psicodélico, de dónde vino la vida y cómo fue concebida. El origen de la misma".

-Gaspar Noé en una conferencia (Sitges, 2015)

Es un director que disfruta del humor negro, así como hablar de temas tabúes de los cuales muy poca gente suele hablar, pero es que él sabe que forman parte de la vida diaria y piensa que son necesarios traer a la conversación.

Sexo, drogas y muerte son los ingredientes que encontramos en todas sus películas, esto siempre aderezado con buenas porciones de luces de neón rojas y de actores experimentados, sus trabajos siempre polémicos resultan abrumadores hasta para el crítico más avezado.

“Es difícil escandalizar a la gente. Para hacer algo realmente escandaloso habría que hacer un documental…”

-Gaspar Noé para un conferencia en la Escuela universitaria de Artes “TAI” (2018).

Dentro de toda la filmografía de Gaspar Noé, se destacan 5 largometrajes que siguen casi la misma línea con respecto a los temas que toca. A continuación encontrarás cada película con su respectiva sinopsis y una breve reseña.

El orden es correspondiente a su fecha de estreno (Más reciente-Más antigua).

5.- CLÍMAX (2018).

-“Morir es una experiencia extraordinaria”

Clímax es una de las películas más famosas del director, la película fue un éxito en el festival de Cannes y Sitges dándole renombre inmediatamente.

Sinopsis: A mediados de los 90s, un grupo de bailarines y su coreógrafa se aíslan en una internando en desuso situado en el corazón de un bosque para ensayar antes de ir a una importante competencia, la nieve los encierra, así que el último día de ensayo deciden hacer una fiesta para celebrar, el problema vendrá cuando alguien del grupo adultere la sangría con LSD, en ese momento el ambiente cálido se trasformará en un torbellino de emociones: celos, odio, venganza, incesto y muerte abrirán paso a un verdadero infierno cuando uno a uno sientan las consecuencias de una crisis psicodélica colectiva que cambiará la vida de estos jóvenes para siempre. Basado parcialmente en una historia real.

Cámaras invertidas, coreografías de bailes y un ambiente caótico y psicodélico, clímax nos sumerge en una pesadilla de 97 minutos difícil de olvidar. Gaspar Noé se las arregla para que bailarines de profesión entreguen increíbles actuaciones con toques de improvisación. 

Un film en donde veremos al ser humano despojado de su racionalidad sustituyéndolo por su instinto de supervivencia, es una experiencia desquiciada y visceral con cámaras en constante movimiento que asemejan la confusión y el delirio de los personajes, en ocasiones causando incomodidad por sus tomas tan bruscas y nauseabundas. Sin duda, un espectáculo de luces de neón y rítmicas melodías que representan lo mejor de su filmografía.

4.- LOVE (2015).

-“El amor es extraño. ¿Cómo algo tan maravilloso puede venir acompañado de tanto dolor?.

De toda la lista, es la película más explícita (sexualmente hablando) pero también es la más melancólica y personal del director.

Sinopsis: Una mañana lluviosa del 1 de enero, Murphy se despierta ante el sonido de una llamada, del otro lado se encuentra la madre de Electra, su ex pareja, quien preocupada le pregunta si sabe algo del paradero de su hija, pues no sabe dónde se encuentra y teme que le haya ocurrido algo malo. Durante el resto del día, Murphy se pasará recordando su pasado con Electra, dos años llenos de abuso de drogas, sexo y momentos tiernos.

Gaspar Noé nos entrega con este film su tésis sobre el significado del amor mientras inunda la pantalla con sexo explícitamente gráfico, incluido de guiños así sí mismo, su nombre y preferencias fílmicas.

Love nos narra el inicio, desenlace y cierre de una relación bastante realista como pocas veces se ha visto en el cine, en la cual los errores y el paso del tiempo le cobrarán recibo a esta pareja que no tendrá un final feliz. Un reconocible y destacado trabajo de calidad que vale la pena ver si no sé es muy sensible (de preferencia a solas).

3.- ENTER THE VOID (2009).

- “¿Asustada de qué?

-“De morir, creo… De caer dentro del vacío”.

Este largometraje de 2 hrs 41 minutos es la obra visualmente más virtuosa de Gaspar Noé, si bien siempre se ha destacado por su dirección de cámaras y fotografía, en este flim dará rienda suelta a su creatividad en un producto completamente experimental.

Sinopsis: Óscar y su hermana Linda viven desde hace poco en Tokio. Él sobrevive traficando con drogas, ella trabaja como stripper en un club nocturno. Durante un forcejeo con la policía, Oscar cae herido tras un disparo. Aunque muere, su espíritu, fiel a la promesa de no abandonar a su hermana, rechaza abandonar el mundo de los vivos. Su espíritu vaga ahora por la ciudad experimentado caóticas visiones llenas de fragmentos de recuerdos del pasado y de la realidad presente.

A pesar de no creer en la reencarnación, Noé se inspira del libro tibetano de los muertos para narrar las distintas etapas de un viaje astral post mortem. A nivel de guión es la más sencilla de todas sus películas, hay poco diálogo y poca historia, la fortaleza del flim se encuentra en el viaje completamente surrealista en el que acompañaremos al protagonista, rodeado de existencialismo psicodélico está obra no dudará en marearte y darte dolores de cabeza.

Fundidos en rojo, la cámara gira o se balancea en una especie de estado de embriaguez, fulminantes planos picados o en imposibles travellings y primeros planos que escudriñan las caras y los cuerpos de los personajes: Gaspar Noé explota todas las posibilidades de los efectos especiales, la luz, el sonido y el montaje, creando una puesta en escena fascinante para algunos y extravagante para otros. Su alto contenido sexual, las violentas emociones y la noche de un Tokio fantasmagórico y de los frenéticos juerguistas occidentales hacen de Enter the Void una película fuera de toda norma que, en ningún caso, deja indiferente.

2.- IЯЯƎVƎЯSIBLƎ (2002)

“El tiempo lo destruye todo”

Mi favorita y la favorita de muchos, irreversible es una abrumadora película narrada como pocas veces se ha hecho en el cine, de final a principio.

Sinopsis: Marcus y su amigo Pierre entran a un bar. Buscan venganza. Marcus señala a un hombre como el culpable y después de una estrepitosa lucha, pierre azotará con gran fuerza e ira un extinguidor en la cara del extraño. 

Además de una sinopsis misteriosa así es como arranca esta polémica película, a partir de aquí, iremos hacia atrás en un frenético deambular por las calles más bajas de París junto con Marcus y Pierre para entender el por qué están sedientos de venganza.

El tema principal del flim es como el tiempo lo destruye todo, de como existen ciertos actos irreparables, del deseo de venganza que produce la pérdida. Habla de eso y lo hace de una forma acorde con lo que cuenta. A través de 12 planos secuencias de duraciones diferentes y filmado cada uno con una cámara, una luz y una música que refleja los estados de ánimo y las situaciones que se cuentan, Noé nos conduce de forma irreversible, partiendo de las consecuencias para llegar a las causas, a través de la historia de una noche en la que la vida de tres personas va a quedar completamente destruida.

Es cierto que la forma en la que la película está contada hace que su ritmo sea raro y único, pero es que contada de manera lineal no lograría generar complicidad con el espectador, al cual obliga a llevar a cabo un ejercicio de atención al más mínimo detalle, ver irreversible por primera vez es toda una experiencia, pero darle un segundo visionado es casi como tener una Epifanía.

“Porque el tiempo acaba con todo. Porque ciertos actos son irreparables. Porque el hombre es un animal. Porque la sed de venganza es una pulsión natural. Porque la mayoría de los delitos quedan impunes. Porque la pérdida de un ser querido fulmina como el rayo. Porque el amor es fuente de vida. Porque las premoniciones no cambian el devenir de las cosas. Porque el tiempo lo revela todo: lo mejor y lo peor”.

1.- SEUL CONTRE TOUS (Solo contra todos) (1998).

“A cada uno su vida, a cada uno su moral. Si tuviera que resumir mi vida es muy simple. Es la de un pobre tipo. Algún día deberían escribir historias así.”

Para muchos la mejor película de Gaspar Noé, su primer largometraje tiene como antecedente el mediometraje titulado “Carne” el cual otorgó el primer reconocimiento grande al director.

Sinopsis: Un carnicero parisino va a dar a la cárcel luego de casi asesinar a un hombre que trató de seducir a su hija mentalmente discapacitada. Al salir de prisión, este hombre intentará recuperar su vida pero se dará cuenta de que no será nada fácil mientras se encuentre solo.

Con la voz en off del carnicero (innominado personaje a cargo del actor francés Philippe Nahon) solo contra todos hace que acompañemos a este triste hombre que acaba de salir de prisión.  "Hoy pongo el contador en cero" dice casi al inicio del film, pero las cosas no salen como él piensa, y a medida que se le van cerrando todas las puertas, comienza un progresivo desequilibrio que lo lleva irremediablemente a la tragedia.

El flim es completamente introspectivo, la mayor parte del diálogo la tiene el carnicero consigo mismo, mientras reflexiona sobre cada mala decisión que ha tomado así como también despotrica contra las personas por haberlo abandonado.

Desde su primer trabajo, Gaspar noé ya tenía claro qué tipo de películas quería hacer y qué tipo de historias quería contar, en esta primer entrega reconocemos detalles que después se convertirían en su marca. Primeros planos, planos secuencias, voz en off y el color rojo en vuelven a esta película como la carta de presentación de Gaspar para el mundo del cine.

Al día de hoy Gaspar Noé es odiado por muchos así como amado por otros, pero independientemente que no te guste su forma de rodar o sus historias, es inconcebible que se le acuse de mal director así como a sus películas de “aburridas y sin sentido”.

Gaspar Noé es un gran director de cine, me atrevería a decir que de los mejores de esta época, a mi en particular es el único que me inspira para crear un film, me parece una persona de admirar.

Pienso defender a mi cabecita calva a capa y espada.

Xoxo CP.

Realeza Adolescente: La “MEAN GIRL”

 “La Maldad toma forma humana en Regina George. No te dejes engañar por su cara de egoísta, traicionera y zorra. Es mucho más que eso. Es la abeja reina, la estrella. Las otras dos son sus obreras…”

-Damian (Mean girls, 2004)

El cine se encuentra plagado de clichés, los cuales son utilizados en situaciones específicas o para caracterizar a un personaje, algunos ejemplos son: la final girl en el slasher o el enemies to lovers del romance. Un cliché no necesariamente arruina a una película, al contrario bien llevamos pueden dar forma a una trama.

En particular el cine para adolescentes teniendo siempre como contexto la escuela (en su mayoría preparatoria) para desarrollar tramas, ya tiene preestablecidos clichés que en cada película se recrean: El chico futbolista buena onda (interés amoroso de la protagonista), la chica nerd buena onda (protagonista), el amigo/a gracioso/a (comedy relief) y a quien es dedicada la entrada del día de hoy, la chica popular mala onda (Villano), mejor conocida como: La MEAN GIRL.

El término mean girl para referirse a este tipo de personaje se popularizó gracias a la película del año 2004 “Mean girls” o “Chicas pesadas” por su traducción al español, pero eso no quiere decir que se inventaran en ese año, más adelante hablaremos de ello. 

Según Urban Dictionary, una Mean girl es un tipo de chica que comente actos de bullying camuflajeandolo de “agresión de chicas” (Comentarios desagradables, engaños, exclusión, difundir rumores, “robar novios”, etc) para manipular a otras chicas. Utilizarán mensajes de texto, AIM, correo electrónico, llamadas de tres vías, y cualquier otra arma a su disposición para lograr estos objetivos.

Estas chicas suelen ser populares porque todo el mundo tiene miedo de ellas o quiere ser como ellas. Tienden a tener ejércitos de seguidores ("amigos"/vías) que comprenden sus actos. Sin embargo, a pocas personas les gustan por quiénes son.

El impacto de este tipo personaje en el cine y en los jóvenes ha sido tan grande, que dependiendo de la época, chicas de todo el mundo han adoptado y transformado su personalidad en base al cliché, lo cual no ha traído resultados del todo positivo.

Los más avispados se han dedicado a analizar a profundidad esta clase de personaje, resaltando la conexión que este suele tener con su feminidad (siempre son mujeres) y como esto de cierta forma resalta cuán malvado es.

El cliché consiste en que la mean girl es percibida por los otros como tonta pero en la mayoría de los casos esto es una fachada ya que son mentes maestras del engaño y la manipulación. Suelen estar acompañadas por otras dos chicas con las que comparte cosas en común, pero ella siempre es la líder. Son físicamente atractivas, ultrafemeninas lo que hace que terminen siendo hipersexualizadas, Su personalidad está envuelta en un carácter egoísta, egocéntrico y envidioso por ello acostumbran a ser las villanas de la historia.

A pesar de los aspectos negativos están llenas de carisma y buen gusto por la moda lo que maquilla su horrenda forma de ser.

Una Mean girl guionizada correctamente puede robarse la pantalla, llegando a ser más recordadas que la protagonista, a continuación serán presentadas una mean girl icónica de cada generación.

70’s

BETTY RIZZO (Interpretado por Stokard Channing) en GREASE

En el famoso musical “Grease” Rizzo es la líder de las “Pink Ladies” (Damas rosas) en el instituto Rydell. Tiene fama de ser dura, es la evidente chica mala, sin embargo es bastante sensible. Tiene como secuaces a tres chicas: Frenchy, Marty y Jan, con quienes intentará molestar a la noble Sandy, la protagonista.

Su personaje es la representación de la liberación sexual de los 70s en claro contraste con la reprimida Sandy. La amistad de las dos chicas acercaría sus posturas a las de la juventud del momento, ni tan dulce ni tan dura.

“Hay peores cosas que podría hacer

Que salir con un chico o dos

A pesar de que el barrio piensa que soy basura

Y nada bueno 

Supongo que podría ser verdad

Pero hay cosas peores que podía hacer…” 

-Rizzo mientras canta “There are worse things i could do”.

80’s

HEATHER CHANDLER (interpretada por Kim Walker) en HEATHERS

En los 80s nació la primer mean girl en todo sentido la regla. Rubia, malvada y popular, Heather Chandler es la primera antagonista femenina de la película clásica de culto Heathers. Ella es la líder  de la camarilla más popular y poderosa de Westerburg High conocida como The Heathers. (Las tres chicas tienen el mismo nombre, a excepción de su cuarto miembro, Verónica Swayer).

El color de Heather Chandler es rojo, simbolizando su poder sobre, no solo las Heathers, sino todo Westerburg High. 

Heather es una tirana de corazón frío e intrigante de la camarilla de las Heathers, y gobierna Westerburg con puño de hierro. Ella afirma en un momento de la película que ser la líder de las Heathers es lo que ella hubiera querido si no fuera ya la líder. Demandó ser adorada en Westerburg High por todo el cuerpo estudiantil, que la deseaba como "amiga o cogida".

Su grupo de amigas está conformado por: Heather Duke (Segunda al mando), Heather Mcnamara y Verónica Swayer (Protagonista).

“No eras nada antes de conocerme. Jugabas con tus barbies y Betty Finn. Eras un pájaro azul, una niña exploradora… Me has pagado en vomito. Mañana serás historia…”

-Heather a Verónica.

90’S

COURTNEY SHAYNE (Interpretado por Rose Mcgowan) en JAWBREAKER”

Manipuladora, cruel y vengativa, Courtney es la líder de un grupo de amigas en Regan High School. Ella gobierna la escuela junto a sus amigas Julie, Marcie y Liz quienes son conocidas como “The flawless four” (Las cuatro impecables).

Se apropia del liderazgo después de la muerte “accidental”  de Elizabeth “Liz” Purr quien se caracterizaba por ser tierna y considerada, por su parte Courtney domina la escuela con terror.

“Ella es la líder. Es como satanás en tacones”.

-Fern sobre Courtney.

00’S

REGINA GEORGE (Interpretado por Rachel McAdams) en MEAN GIRLS

Líder de “Las plásticas” (Grupo conformado por Gretchen Winners, Karen Smith y Cady Heron) y autonombrada reina de la preparatoria North Shore, es un personaje principal y antagonista de la película del 2004, Mean girls.

Es hermosa, rubia y rica, además es inteligente, manipuladora y capaz de hacer lo que este en sus manos con tal de obtener lo que quiere. No es la típica “Bully” de la escuela, al contrario trata bien a todos pero a sus espaldas despotrica contra ellos. 

El ingrediente especial detrás del poder de Regina son dos cosas: Su atractivo sexual y la inseguridad de otros.

Regina solo tenía seguidores porque dominaba a las chicas haciendo que se sintieran inferiores a ella usando su antes mencionado atractivo y astucia. Usaba la atención masculina para hacerse parecer y sentirse superior. Por ejemplo, Aaron Samuels (ex novio) y Shane Oman (novio) al ser atletas destacados le eran útiles para seguir estableciendo su reinado. “Es fabulosa pero malvada”.

Regina no sólo controla su propio destino, sino que también controla el de todos los demás. Ella manipula a la gente que la rodea para que le dé exactamente lo que quiere, ya sea que esté persuadiendo a sus padres para que le den un dormitorio más grande o que haga romper a otras parejas con una llamada telefónica bien colocada. Este control no dura para toda la película (todo está atado a su estatus social, y una vez que empieza a escapar su poder también lo hace), sin embargo, aunque llega a perder su control sobre la vida de otras personas, sigue controlando la suya, incluso después de que le atropelle un autobús.

A diferencia de las mean girls anteriormente mencionadas en la entrada, Regina logra redimirse, al darse cuenta que daña a las demás personas con sus acciones, así que decide canalizar su ira en el deporte, regresando así la paz al mundo de las chicas en la North Shore Highschool.

Con los principios morales de la actualidad este cliché y estereotipo de chica no ha envejecido del todo bien, haciendo que su uso en películas y series sea menos protagónico, en algunos casos el cliché a evolucionado de tal manera que aunque los personajes conservan ciertas actitudes ahora tienden a tener matices, lo que ya no las vuelve simplemente las villanas.

Ejemplos actuales: 

Luna y Julien del reboot de Gg, 2021 (Esquina superior izquierda).

Cassie y Maddie de Euphoria, 2019 (centro)

Naomi de Genera+ion, 2021 (Esquina superior derecha)

Audrey del reboot de Gg, 2021 (Esquina inferior izquierda)

Lucrecia de Élite, 2018 (Centro inferior).

Xoxo CP.

ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND: ¿Cómo recordar un amor olvidado?

 "Cuan feliz es el hombre inocente sin delito, el mundo que se olvida del mundo olvidado. El eterno resplandor de una mente sin recuerdos, se cumplen las oraciones y se rechazan los deseos." -.

       

                                                          - Alexander Pope.

¿Cuantas veces no hemos querido borrar de nuestras mentes algún evento bochornoso o traumático de nuestras vidas? La típica frase repetida “si no me acuerdo, no pasó” nuestra propia mente nos protege en ocasiones ocultando cosas de la memoria para que suframos menos, pero, ¿El olvido es realmente la solución para sanar? ¿Los recuerdos hacen más daño que bien al ser humano? bueno todas esas cuestiones son planteadas en ETERNO RESPLANDOR DE UNA MENTE SIN RECUERDOS.

ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTTLES MIND o Eterno resplandor de una mente sin recuerdos por su traducción al español, es un film del año 2004 dirigido por Michel Gondry y guionizado por Charlie Kaufman. Protagonizado por un joven Jim carrey en una de sus interpretaciones más sobria, realista y destacada de su carrera, realmente demostrando que sabe actuar quitándose el estigma de “payaso” que lo caracterizó en sus trabajos anteriores, también nos encontramos a una joven Kate Winslet que después de su éxito masivo en titánic decide regresar al cine independiente con esta historia de amor con tintes surrealistas.

Para empezar con este análisis necesitamos conocer la sinopsis del film:

“Joel se encuentra completamente deprimido por su reciente ruptura con clementine, para poder continuar con su vida decide someterse a un tratamiento experimental que le removerá todos los recuerdos de su ex pareja eliminando por completo sus sentimientos por Clementine. Durante un viaje por los rincones más recónditos de su propia mente, Joel se dará cuenta de que no fue buena idea borrar sus recuerdos.”

Esta reseña puede contener spoilers

Eternal sunshine of the spotless mind cuenta con una narrativa particular, nos encontramos con un relato a destiempo, en donde la complicada relación de los protagonistas irá construyéndose de atrás hacia adelante.

En un principio nos encontramos con Joel y Clementine, estos son tan diferentes que no es cuestionable el porqué su relación no funcionó. Joel por su parte es introvertido y reservado, gusta de la tranquilidad y la monotonía le parece confortante, por su lado Clementine con sus cabellos de colores y la energía a tope es la antítesis de Joel, es ruidosa, espontánea e impulsiva, además de que su espíritu libre no le permite quedarse en un mismo lugar por mucho tiempo.

Dos personas que simplemente no encajan, pero que sin duda alguna se aman.

Si bien la película trata sobre la relación y ruptura de una pareja, también se adentra en el sentido más profundo y personal de los protagonistas a través de un tono cómico, científico y psicológico. La película nos habla acerca de la sincronía, los sentimientos humanos, sus decisiones y cómo, a pesar que los protagonistas deciden someterse a un procedimiento para borrar sus recuerdos uno del otro, las emociones siguen presentes y retoman su curso.

Cuando Joel se entera de que Clementine ha decidido olvidarlo, este lleno de ira y tristeza hará lo mismo, no quiere ser el único que conserve los recuerdos de la fallida relación, además de que san valentín está por acercase esto deprimiendo más al protagonista por lo que acudirá a la clínica llamada “Lacuna” en búsqueda de ayuda. 

Tras iniciar el procedimiento, Joel revivirá todos y cada uno de los eventos pasados de su relación en escenarios más que surrealistas, en donde el protagonista será capaz de fijarse hasta en los detalles más pequeños de sus recuerdos, incluso en aquellos que en un principio parecían banales, será capaz de descifrar en qué momento empezó a fallar la relación, es así como el arrepentimiento se apoderará de él, realmente ama a clementine, las cosas tienen solución, él puede arreglarlo, pero es demasiado tarde ya la está olvidando. 

Los dos fallaron en la relación, ninguno fue realmente el villano, Joel fue traicionado por muchos de sus recuerdos ya que estaban contaminados por cosas que suponía y por emociones del momento. Los recuerdos malos existían en menor cantidad que los buenos recuerdos pero sin embargo, Joel dejó que la balanza se inclinara hacia lo negativo.

Durante el viaje por sus recuerdos, Joel se dará cuenta de que los aprecia más de lo que creía, -“Por favor déjame conservar este recuerdo, solo este” chilla Joel en un punto de la película y es doloroso verlo sufrir.

Acercándose al final, Joel acepta que va a olvidar a clementine y decide pasar un buen momento con los últimos recuerdos que le quedan de ella.

Clementine: “Eso es todo, se desvanecerá”

Joel: “Sí, lo sé”

Clementine: “Y ¿qué hacemos?

Joel: “Gozarlo”.

Sin entrar tanto en detalle, a pesar de tener los recuerdos borrados, en los dos existe una sensación de vacío, como si algo les faltara, por cosas de sus propios inconscientes terminan reencontrándose y en un punto se enteran de toda la situación lo cual causa un nuevo conflicto. 

Después de pensarlo, Joel y Clementine deciden volver a intentarlo, saben que pueden volver a fallar pero también saben que se aman y que vale la pena intentarlo.

Terminando así con un final abierto bastante esperanzador.

Todos conservamos recuerdos que nos resultan dolorosos, evitamos pensar en ellos para no sufrir, pero la verdad es que de esas experiencias aprendemos, necesitamos de ellas para evolucionar. Si olvidáramos aquellos momentos en los que nos hemos equivocados estaríamos destinados a repetirlos.

Eternal sunshine of the spotless mind es una bella, sincera y melancólica historia de amor.

CINEMATOGRAFIA: 

Hablando de los aspectos técnicos del largometraje, este salta por el tiempo de manera no continua, es trabajo del espectador tomar las piezas y armarlas para comprender la relación en un principio tormentosa de los protagonistas.

La fotografía es preciosa, teniendo como base el color azul (que suele representar tristeza o melancolía) así como toda una gama de colores fríos que envuelve la cinta en un aura desoladora.

Por otro lado la iluminación es importante para entender que sucede durante la eliminación de recuerdos, con ayuda de ésta se puede saber el momento en que Clementine está por desaparecer pues la luz es dura y está dirigida exactamente a los personajes, crea una especie de viñeta constante en cada nuevo lugar, por lo que la desaparición de la chica es predecible tras la repetición de este hecho. Cuando finalmente ocurre, ésta se vuelve casi nula sin importar si es natural o artificial, con ello los espacios se vuelven más tenebrosos. Este tipo de tomas crea relevancia para la diégesis.

Finalmente la música es otro elemento que destaca en el film. Suele ser estruendosa para dar énfasis a los diálogos y generar tensión entre la pareja, ya sea el ruido de un claxón o el cantar de un pájaro, su presencia para generar drama o aliviar una situación es indispensable. Durante el desarrollo, los sonidos son una guía a través del mar de recuerdos; los incidentales ayudan al espectador a ubicarse en el tiempo marcando la diferencia entre el pasado y el presente. Los empáticos, por otro lado, tienen más relevancia en el presente, su presencia rompe la continuidad de las primeras escenas y es la responsable de generar confusión ya que se escucha cuando Joel se entera de lo que hizo Clementine y al final, cuando éste la olvida a ella.

A nivel de detalles, está perfectamente cuidada, mi favorito es el recurso utilizado en el cabello de colores de Clementine, el cual va cambiando de tonos cálidos a fríos según los altibajos de la relación, así el espectador puede identificar en qué punto se encuentra la pareja.

Podría seguir escribiendo sobre esta película, pero las palabras no me alcanzan, por ello recomiendo verla.

IMDB: 8.3/10

Rotten tomates: 92%

Filmaffinity: 7.6/10

Calificación personal: 10

Xoxo CP.